漫画观察：AI啥时候学会了画漫画？

刘海明

【案例】

漫画观察：AI啥时候学会了画漫画？

    今年八月，《大西洋月刊》因在文章中使用顶级AI绘图软件Midjourney创作的图片，引发大量争议。人们担心，媒体在未来将会大量使用AI绘图，插画师、摄影师则无法销售作品，这个群体的收入锐减，无人再愿意安心创作，长此以往，将导致行业的覆灭。

【图片，《大西洋月刊》刊登Midjourney创作的插图】

一周后，编辑部道歉，他们认为，使用AI创作的图片，确实不妥。

AI绘图是什么？

AI绘图软件，指建立在人工智能算法上，经过深度学习，根据用户指令，自动绘制出图画作品的软件。出于好奇，笔者尝试了国内外几款AI绘图软件，其中比较优秀代表有：OpenAI出品的DALL·E、谷歌出品的Imagen、Parti，以及设计成APP，并引起上文争议的MIDjouney等。TikTok也有利用AI画画的功能。6Pen Art、文心一格，则是国产软件中的佼佼者。虽然尚处于公测阶段，但目前看来，效果也还不错。

AI绘图软件操作极为简单，用户输入“关键词”或“一两句指令清晰的句子”，选定“艺术家风格”和“绘画形式”，AI会在很短的时间内，为用户设计几张低像素画面备选。当用户选定了设计方案，AI便对方案进行完善，计算出高像素画面。

【图片，文心一格创作的插图】

这些图片天马行空，美轮美奂，而获得出这些作品，不再需要艺术家通过长年累月、繁琐枯燥的训练，换来的绘画能力，而仅仅只与用户的个人审美情趣、主观需求相关。从某种意义上来说，AI实现了“人人都是艺术家”。

【图片，Journey小姐的油画肖像The Verge / Midjourneynone】

【图片，From Liza】

【图片，From @MarkTurkston 地球上最后的图书馆】

【图片，From @viewsfrance】

        笔者作为从业多年的职业新闻漫画设计师，面对这一盛况，震撼之余也引发许多思考。

绘画工具不断升级

艺术和技术，从来不分家。绘画工具则是技术的重要组成部分，翻看艺术史，如果没有凡·艾克发明油彩，也许我们永远无法欣赏到达芬奇的《蒙娜丽莎》。油彩干的慢、易修改等特性，给慢工出细活的达·芬奇留下足够的空间。“晕涂法”需要的不仅仅是技法的创新，还得大量的时间。《蒙娜丽莎》花费了画家三年时光。而同时期的蛋彩画、湿壁画等绘画技术，因为技法的局限——干的太快，不易修改，而无法做到从容不迫地等待患有“严重拖延症”的达·芬奇精雕细琢。

如果没有油彩的发明，就无法跳过素描，直接用色彩塑造形体、制造明暗和立体感。艺术史失去了直接用油彩起稿的威尼斯画派代表人物提香，还能算完整吗？

【图片，红衣教主本博肖像，提香 1545-1546】

技术发展、思想进步，为艺术风格的发展演变提供源源不断的动力。科技让画笔变成电子笔，画布被替换为液晶屏，画家的调色盘，由CMYK或RGB数值决定，自带笔刷，预设图层，滤镜效果......早已成为绘图软件的标配，这些都能帮助画家高效的实现想法，完成作品。

工具发展到这一步，画家们并未感受到太大压力，因为想成为画家，必须具备的基础素养，如：创意能力、造型能力、审美能力等并未改变。当数字画家与传统画家还在争论艺术品的唯一性，NFT能否解决数字艺术增值保值的时候，AI绘图出现了。

AI绘图的运算机制

几年前谷歌发布的AI矢量图绘制软件auto draw。从用户在识别区画下的第一笔开始，AI就会根据收集到的数据，推测用户想绘制的对象。随着笔画的增多，数据量的增加，AI提供的图形与用户希望得到的图形无限接近。这项技术的运行逻辑是：从已有的图像中提取数字特征，并对未来的绘画趋势进行预判。只以最新的数据为基础进行演算，而从不瞻前顾后，左思右想，被其他因素干扰。

这种算法并不新鲜，早在围棋人机大战中，战胜李世石的人工智能软件alphago，就是这种运算逻辑的成熟运用。

新印象主义代表人物，画家修拉认为：颜色是可以计算的，用同样大小的一半洋红小点和一半蓝色小点，奇偶数穿插排列，经过视觉混合，可以得到一片灰蓝色的天空。这与47％的洋红点＋49％的蓝点＋4％的黑点，也可以得到同样的效果。他证明了自己是“实证主义，科学绘画”。

恰巧，AI也这么认为。但和修拉不同的是，AI使用的不是颜料，而是电子像素。

【图片，修拉 康康舞 1889-1890】

在学习输入阶段，AI将物体看成是不同层级像素的集合，通过规整的分割，像素有了固定搭配，建立起庞大的数据库。

在应用输出阶段，用户输入关键词，AI寻找相匹配的图形特征，从而进行预判。

假设我们画一只企鹅，画到一半就停下来，AI会根据已有图像进行分析，与数据库中的海量信息进行对比，从而判断出用户将会描绘的对象。

【图片，AutoDraw使用页面】

当这种数学模型一旦建立，在大量输入、输出数据的过程中，AI绘图的精准度越来越高。而这种学习数据的投喂，对于互联网来说是无穷无尽的。

2016年，十七世纪初著名画家伦勃朗的“新作”问世。它是微软与伦勃朗故居博物馆，莫瑞泰斯皇家美术馆合作的结果。这幅画被命名为《下一个伦勃朗》，AI通过计算，并连接3d打印机完成最终画面。颜料堆积让画面凸凹不平，使其更具有立体感。从而给参观者提供更真实的视觉体验。

【图片，《下一个伦勃朗》】

在此之前，AI通过算法，将伦勃朗所有的作品进行数据化，并兼顾绘画各层面要素，建立伦勃朗数据库。从画面构图到主体物的光线运用，从笔刷方向、颜色搭配习惯，到分析颜料化学成分、堆积厚度数据......大量数据告诉AI，在画面的特定部位，画家大概率会使用何种笔触；画面局部颜色与整体的协调等等相关信息。统计数据显示，某些固定搭配，能提高伦勃朗绘画风格的可识别性。

当数据积累到一定程度，AI完全掌握形成伦勃朗绘画风格的各种关键要素后，它就可以开始作画了。输入关键词：中年男性+伦勃朗光，AI就会在系统储存的数据中，选择出与关键词相匹配的特征，再通过一系列算法优化，并将最终结果通过数据进行输出，使用3D打印机将其转化成为画面，精致装裱后，呈现在观众面前，因为风格极度相似，作品无限接近伦勃朗，让业内专家惊叹。

在惊叹之余，笔者盘点了自己的漫画作品。总数量也接近两万余幅，从信息论角度去分析，每一张漫画所包含信息量，数据复杂程度，都远远不及伦勃朗。若有一天，哪位天才AI算法工程师，在闲暇之余，顺手设计一套算法，让AI自动学习这些漫画作品并完美输出。我会不会失业呢？这款软件若以笔者的名字命名，会一种奢望吗？当然，若价格合适，请专家设计一款自己的AI绘图APP，往后用户需要“曹一漫画”风格的新闻漫画，不就触手可得。万一我还能收点版税，岂不美哉。某些品牌字库中，已有类似的成熟机制。感叹一声：未来皆有可能。

学习与模仿，是一体两面

《下一个伦勃朗》的绘制过程中，也出现过大量的失败案例，有些是算法错误的选择了数据，有些是AI未能正确地理解词语的含义，但这些在计算机工程师眼里，都不是大问题。随着算力不断增强，一分钟绘制几十张图片，总有一款能让用户满意。当初稿确定后，再经过用户后期加工完善，发表出来的作品，应该能超越所有初选方案。

艺术家在创作时也会经历相似的过程。首先产生一种意向，相当于AI的“关键词”，新闻漫画则称为“选题”。围绕这种意向，绘制大量草图，在草图中进行取舍、修改和完善。要做到这些，与艺术家之前的大量的专业训练密不可分。

大量临摹前人的作品是艺术家学习的重要方式。在这一过程中，人类大脑的某种先天机制，将临摹对象中的一些明显特征加以概括、高度抽象化，吸收并储存，使其成为大脑数据库中的一部分。当艺术家产生创作冲动时，大脑便会调取数据，形成创意想法。无论是有意识、还是无意识，艺术家的作品里或多或少都会体现出前人作品的影子。AI绘图也是基于此原理，只是AI将输入和输出过程，提高到人类大脑无法匹及的速度。在其他领域，如音乐、小说、新闻简讯等，AI都在使用类似的机制运行。

【图片，6pen artFrom@零夕】

如果说学习与模仿是硬币的一体两面，于是，出现了一个有趣的现象：人类临摹前人绘画被称为“学习”，即便自己的作品中出现前人的艺术元素，也被叫做“创作”。而计算机将前人作品数据化，经过一系列复杂计算后，产生出的作品，是应该被称为“创作”，还是“模仿”，引发人们的争论。

著作权出现“真空期”

试想一下，AI技术发展到今天，只要有合适的故事脚本，《哆啦A梦》、《千与千寻》、《七龙珠》或者其他动漫作品中人物形象，将持续焕发出生命的光彩。读者在阅读全新的故事时，可能会忘记创造这个动漫形象的漫画家早已离去。对于AI来说，只要动漫人物IP形象足够丰富，按照当前算法，就能源源不断地绘制出该形象的各种形态。余下的工作，只剩在对话框内填入适合的对白，然后根据剧情的发展，编排版式。AI绘图技术将深刻的改变漫画创作生态。在未来，漫画畅销书作者，可能不会画画。

那么问题来了，AI通过大量数据进行分析，重新排列组合所产生的作品，是否受到著作权保护，又引发了激烈地争论。

【图片，From@狼烟无言】

赞同的一方认为，AI绘图作品虽然是机器通过算法自动生成，但背后依然体现出主创团队的个性化设计，价值观判断以及主观表达意图，具有一定的独创性，这部分应该得到法律的保护。

而反对方则认为，计算机生成的作品不是作品，权利人对其享有的也不是著作权，而是邻接权。创造是人类独有的一种特质，人工智能生成的内容实质是：机器通过深度学习，将海量数据进行分析统计、匹配运算而得到的结果，这些不是智力创造的结果，不应获得著作权的保护。

【图片，6pen artFrom@aми The Man】

一个有意思的现象，笔者尝试的几款AI绘图软件都发出声明，生成出来的画面可以商用，版权属于用户。AI依靠付费会员和流量变现，这种商业模式是否成功还有待考证，但毫无疑问，目前机制有助于AI绘图软件的推广和普及。

另外，AI在网络上进行海量数据学习，在持续不断、自我迭代的过程中，这些“教材”的版权、著作权，目前无法得到有效保护。

画家与“表演艺术家”

让我们做个思想实验。将《千里江山图》进行高分辨率扫描，分析墨色构成与颜料的化学性质，将画面各部分拆分成若干个像素集合，建立起一组完善的数据库，然后用北宋的娟本设色，作一幅山水主题国画，盖印做旧，并对外宣称这是考古新发现——王希孟又一作品重见天日，猜猜鉴宝节目中，会有多少专家看走眼。

现实中早有这样的案例，去年上海进博会上，全球第一台全协作双臂机器人YUMI，经过程序设置后，现场模仿出多种书法字体。从技术上来说，这部机器模仿任何一幅书法作品都不存在问题。这同样改变了艺术家的创作生态。

【图片，全协作双臂机器人YUMI】

YUMI在算法上依靠AI绘图技术，这无意中大大提高了收藏家获取艺术家作品的信任成本。古代为了证明文人画作是真迹，只需盖个文人专属的印就行。随着仿制技术的提高，高分辨率扫描、仿真喷绘的广泛引用，赝品越来越难辨认。为证明作品不是赝品，画家得拿着作品与收藏家合影。当技术发展到AI绘图阶段，拍照都不能完全证明作品真伪时，录制绘画过程，则变成“大势所趋，势在必行”。收藏家要求录制画家完成作品的全过程，才敢相信这幅作品是真迹，这直接关系到艺术品在资本市场的流通，保值增值，因此很难妥协。虽然这会给艺术家带来一定的困扰，但在商业利诱下，能保持磷磷傲骨的大师总是少数。毕竟，在生活压力面前，再伟大的艺术家，永远都是乙方。

面对现实，笔者开始认真思考，要不要在画室安装一台24小时全方位无死角摄像头。一来创作灵感不是随时都有，万一没有捕捉到，实在可惜。二来总是要面对摄像头，不如早些适应，说不定将来某天，摄影师摆拍“手握画笔进行创作”的特写镜头，笔者若因为紧张而发挥失常，如此这般，实在太尴尬了。

绘画本来是重结果的，观众欣赏的是作品，品味的是细节，感受的是文化。而随着技术的进步，环境的改变，绘画逐渐开始重形式、重过程、重表演。也许，那些用头发、胡须，拖把等“奇门遁甲”，在宣纸上抽风的“表演艺术家”们，会认为自己的春天来了。

【图片，来源网络】

商业需求是AI绘画的重要推手

工具可以提高劳动效率还有另一层含义，工具可以替代人。从这个角度去看，与经济学家一起嘲笑“卢德主义”者（注1），显得有些不善良。

正如前文所述，用户开始使用AI绘图、AI设计页面，轻松实现购物网站“千人千面”......这确实会取代一部分摄影师、设计师、漫画插画师的工作，影响他们的收入。人工智能时代，规则清晰、拥有海量数据、大量基础性重复劳动的岗位都会被替代。历史反复验证，与技术发展的大趋势对抗，往往是徒劳的。

商业的本质是降低成本，提高效率，从而获取更大的利润。一段文字需要配一张插图，以前只能依靠艺术家完成。当AI绘图的种种优势逐步显现，引发用户对传统绘画方式缺乏耐心。传统绘画等待时间较长，价格较高，这还没算上沟通成本。当经济出现周期性波动，会让这一特性变的更加明显，用户会不得不在成本与绘画产品之间重新寻找平衡。AI绘图就是种不错的选择。只需支付很少的费用，在极短时间内，给用户大量选择。种种有态势，使AI图片很可能直接被采用。

【图片，Midjourney 一分钟左右，生成四个基于文本描述的图片】

若是手头宽裕，而独特的审美要求又只能依靠特定的艺术家才能完成，这才有可能促使一次艺术创作的发生。历史上的罗马、佛罗伦萨、维也纳、巴黎等城市能够成为世界艺术中心所具有的共同点：宽松的社会氛围、充足的用户需求，雄厚的经济实力和一大群艺术家的全身心投入。

商业推动技术普及的案例很多，20世纪前后，人们只需向照相馆支付低廉的价格，就能获得一张效果不错的碘化银全家福照片，那么，还会有多少人愿意去光顾昂贵的学院派肖像画工作室呢？虽然手绘肖像具有成为艺术品的潜质，但若伦勃朗晚出生200年，也许会成为一位摄影大师。

【图片，银版照相法照片】

每当技术变革来临时，都会出现各种声音。例如录音设备变的更小更轻便时，卓别林说：只有默片才是艺术；黑白照片变成彩色，会有人说：黑白照片才是艺术。诚然，这些表述有一定道理，但若将此用做拒绝新技术、新形式的理由，那就显得苍白无力。

举个身边的例子：短视频，投入资金少，技术门槛低，播放渠道多，有广泛的用户基础，具有极高的商业价值。在商业需求的推动下，传统长视频优势被削弱。有观点认为“只有长片才具有艺术价值。”，就略显局限了。短视频同样具备表达艺术的能力。工具不是主要因素，人才是。

面对危机，绘画行业是有经验的。

AI绘图出现，打破了画家赖以生存的重要壁垒。画家无法凭借经过长时间艰苦训练获得的“审美能力，手绘造型能力，用艺术图形语言表达思想的能力”获得足够多的订单。并失去了“有关审美问题与用户进行深入探讨”的机会。用户想要得到一张作品，只要输入关键词就能完成，这的确给艺术家造成了极大的危机感。

危机，在危险的境地中也隐藏着突破的机会。面对危机，绘画行业是有经验的。二十世纪初，照相术的发明对于画家群体来说，是一次巨大的危机，而那个时代的画家们做了各种各样的尝试，不仅仅平安度过危机，还推动了艺术史发展。现代艺术的多样性，发展的契机，也是在那个时代中建立起来的。各种流派依托不同的哲学思想，发展出自身的艺术价值观，一时间，出现了百花齐放，百家争鸣的场面。

现代绘画之父塞尚的目标是“在现实世界平行之处，建立起一个艺术世界，以便找出让画面各要素形成和谐关系的普遍规律。”他认为，世界都是由几何形构成的，而标准的几何型只是一个起点，走向世界不规则形状的过程，但画面最终还是要呈现出几何型的骨架，并称之为“结晶”。

【图片，塞尚，圣维多利亚山 1904-1906】

学霸马蒂斯读懂了塞尚，并且他打破了色彩的边界，获得了绝对的色彩主观化。他成功后，在各种场合一再强调，自己一直在“追求画面中各要素之间的和谐”。

毕加索称塞尚为“所有人的父亲”，他是一个极具艺术天赋的文化课学渣。这导致他原教旨主义地去理解塞尚的几何形理论，甚至直接用不同材料进行几何图形拼搭。虽然这是对塞尚艺术思想的误读，但客观上，毕加索打破了造型观念的边界，创立了立体主义风格。并对后来的结构主义，表现主义，装置艺术等众多艺术风格产生了深远的影响。

照相术的发明，给二十世纪人们的世界观造成了巨大的冲击，笔者认为，这种冲击远大于AI绘图带给当下艺术家的。二十一世纪的艺术家视野开阔，学识渊博，有着丰富的艺术理论和实践经验，凭借群体智慧，一定能找到面对AI绘图工具的适合方法。

有目的的取舍，是衡量作品是否具有“独特创造性”的重要标准。

曾经有心理学家做过一个思想实验，将所有汉字输入到一台超级AI，设定好算法，让它随机排列组合汉字，形成语句。假设组合次数无上限，理论上，这台机器就能组合成出中文世界中最美的文章诗词。但与此同时，人们又遇见了新问题，如何能将这些优美的文章诗词从海量的文字组合中挑选出来？

回到现实生活，人类作曲家在工作时，也会进行大量的作曲尝试，他们对灵感涌现时记录下的音乐初稿进行选择，用自己独有的标准来判定哪些作品比较好，哪些不太好，哪些值得修改，哪些应当直接删除。作曲家与超级AI之间的区别是：人类作曲家在进行创作时，具有更高的准确率。创造性与准确性是相关联的。

画家构思草图也是同样原理，在创作进行中，是否有清晰的目标？是否刻意为之？艺术家的构思与目标选题的匹配度有多高？想法是否具有独特性……如果没有这些评判标准作为锚，思想可能会像脱缰野马，在迷宫中漫无目的胡乱穿行。艺术家在创作阶段，作品雏形无数次被大脑修改，取舍，验证。对发散性思维创造出来的种种想法，进行反复推敲，最终得到令艺术家感到满意的想法，并将其通过作品的形式表达出来。从这个角度来看，能否对作品进行主观评价，有目的的取舍，是衡量作品是否具有“独特创造性”的重要标准。

为此，笔者尝试与AI绘图，分别完成真实新闻选题：根据新闻“数字月饼投资有风险”，绘制评论漫画。

AI绘图软件：6Pen Art。一款排名比较靠前的国产AI绘图软件。

关键词：数字月饼，投资，风险。

风格及艺术家：AI默认的风格和艺术家比较有限，笔者的选择是：现代，超现实和达芬奇。

渲染图片：有付费和免费两种选择，区别是等待时间长短，我选择了免费，需要等待三小时。

【图片，AI绘图等待中】

在这三个小时里，笔者按照平时工作的流程，开始绘制这幅新闻漫画。研读新闻信息，某些企业跟风“元宇宙”概念，售卖数字月饼，本来正常的商业现象引发无序炒作，大量投机商蜂拥而入，造成供求两旺的假象，诱引散户入场。很多平台上，一枚数字月饼高达上万甚至数万元，投资需谨慎。

笔者并不像AI绘图那样去提取关键词。多年的从业经验，让笔者可以自如转换表达角度。

1：商家为赚钱而搭建的舞台，绚丽却充满危险。

2：各路投机商心怀鬼胎入场。

3：散户盲目乐观，迷之自信，确定自己不是最后的接盘侠。

4：侥幸心理，赌博心理在背后推动。

5：监管部门对数字概念产品管理滞后……

如此多的想法摆在面前，笔者根据一系列复杂的评判标准，如艺术表现性，发布媒体属性，用户接受度等等，选择了新闻漫画设计方案：人们想获得不切实际的财富，如水中捞月，到头来落得一场空。投资数字月饼，需要支付现金，笔者把捞网改成用货币做成的杆儿，杆儿中间碎裂，货币散落到水里，寓意投资“打水飘”。而画中人物，举头望去，数字月饼如一轮明月，在各种大肆宣传的映射下，高挂空中，无比灿烂。想到这里，草图也就出来了。

【图片，新闻漫画：警惕“数字月饼”成陷阱】

起稿的时候还有些忐忑，不知道AI会如何表达，那可是各类自媒体热捧的宠儿，江湖传说中的顶级高手。

当笔者不再胡思乱想，转而专注于绘画，流畅的线条，收放自如，准确的结构，带来愉悦，色彩搭配，反复推敲，绘画太容易让人进入心流状态，这是极为享受的过程，笔者忘却了隔壁AI刚刚带来的压力。

两小时之后，作品完成，交了稿，想起AI绘图，回头一看，它还得一个多小时才能出图。目前看来，面对免费的AI绘图，笔者还是蛮有优势的。

不卖关子了，为诸君揭晓AI绘图的最终作品。多种艺术风格混搭，印有中国传统纹样的巧克力月饼十分精致。画面除了不太符合选题要求以外，其他的都蛮好。

【图片，AI绘图作品：警惕“数字月饼”成陷阱】

对于此次尝试，笔者还是比较满意。其实大家心理都很清楚，随着资本的持续投入，算法的不断迭代升级，程序设计师对新闻漫画行业内在思维逻辑、运作方式的深入了解，各路专家的加入，AI绘图作品只会越来越完美。未来是否拥有商业价值，决定了AI绘图演进的速度。笔者不禁感叹，商业价值不高，也不见得是件坏事。资本没有兴趣入场，客观上能够给新闻漫画艺术家留出更多的时间。

人类对事物的认知，赋予了艺术品意义。

物竞天择，适者生存，生物体在漫长的进化过程中，总能演化出适合物种延续的独特属性，人类与生俱来的多样化情感，也是演化的杰作。艺术作品为记录或表达人们的情感而存在。艺术创造性包含了人们对生与死，爱与恨，理性与感性的体悟。生命过程中的所思所想，所感所悟。人类对事物的认知，赋予了艺术品意义。

从AI的视角去审视，艺术是基于“构成人类特性复杂目的”的函数。以目前的技术水平，AI无法持有与人类相同水平的“目地函数”，很难计算人们丰富的内心情感，不能以人类社会和文化为背景，生产出真正意义上的，伟大的艺术品。虽然AI绘画效果是如此的“惊艳”，但那仅仅只是存在于表面，而无法展现艺术作品内在的血肉、骨骼、灵魂。所以AI无法创造出真正意义上的艺术品。

举个书法的例子来说明“人类特性复杂目的函数”。前文提到全协作双臂机器人YUMI，模仿历代名家的墨宝，达到以假乱真的程度。而书法是中国文化艺术的重要组成部分，人们常说“字如其人”，“见字如见面”。这其实说的是书写者将自己的生命情感都融入到文字中去。在传统语境下被称为“性情”。这里面包含了书写者的观点，情感，个性，气度和修养。书法未必能准确分辨喜怒哀乐，但书写者的情绪，在汉字的运笔轨迹中，会得到一定的呈现。人常说，书法中蕴含“心相”，就是一种心理投射。而书法造诣越高的人，则更能够通过书法作品反映内心真实的状态，其作品包含的信息也就越丰富。

比如东晋门阀士族王羲之，在悠闲从容，举杯把盏时写下的《兰亭序》（永和九年），而仅仅三年之后（永和十二年），战乱来袭，厄运连连，祖坟都被挖了。在极度悲怆和惶恐之下创作了《丧乱帖》。将两组作品摆放一起，展现出王羲之性情的不同侧面。这也造就了他在书法史上无法被超越的地位。

【图片，王羲之《兰亭序》】

【图片，王羲之《丧乱帖》】

目前AI技术对书法的探索，止步于模仿，画出的文字，是静态的。而王羲之的字是动态的。是手、心、笔的高度协调一致，一气呵成的。人们欣赏他的文字，内心是随着笔迹在纸上舞动。起笔、顿笔、力度、速度、轻重缓急都能够清晰的感受到。而且书写经验越丰富的人，感受就会越强烈。

事物所蕴含的意义，总是随着人们审视角度的转变而不停转变。AI无法理解，无法延展，也无法做出判断。正如王羲之，在闲散安逸生活与颠沛流离的强烈刺激下，在文化、精神、情感、体悟的孕育中，创作出书法作品，而不是相反。当然，AI也可以依靠随机组合，创造出海量新图片，新文字，新事物。其中的一些，会有一定概率被人类赋予意义，这是另外一个话题，本文暂不做讨论。但无论如何，没有人的参与，事物的艺术属性等于“0”。

面对AI绘图，艺术家们该如何应对？

AI将手工劳动，变成工业化生产。传统艺术家虽然一直坚守，但注定也无法跳脱出时代的局限。艺术家应该如何应对？

改变认知，换种角度看待AI绘图这种新技术。

艺术家学习一种风格，需要长时间积累。而创造一种风格，那就更难了，成熟艺术家终其一生，风格的变化也十分有限。熟练使用AI绘图，能够有效开拓思路，提升工作效率，草图绘制的数量和质量也会有所改进。AI绘图也为艺术家风格的转变提供了可能。换种角度看待新技术，将其为我所用，是种不错的选择。

举个其他行业的例子，当阿法狗战胜柯洁，柯洁说自己看见了上帝，并且认为从意义的角度来说，AI时代的围棋特别无趣，这是一种看法。而有些资质普通的棋手，通过不断向AI学习，拓展思路、磨炼棋路，在后来的比赛中，拿到世界冠军，这又是另一种路径。

与人交流，其乐无穷。

前文提到商业规律、节约成本，会促使部分用户选择更经济的AI绘图产品，但请注意，在这一过程中，用户是与机器在进行交流。这种交流的有效性，丰富性，远达不到人类水平。并且，两者之间建立的是：用户与企业的关系。而用户与艺术家之间的交流，建立起的却是：人与人之间的关系。这是极为不同的。一个常见的场景，打客服热线，用户会更愿意与机器对话，还是与人交流呢？这是艺术家与生俱来的优势。

忘记艺术家的“高冷”，并把自己变成一个有趣的人。

让用户觉得你是个有趣的人，觉得你可以信任，这是除了手艺之外，艺术家最大的竞争力。

艺术家如何做到有趣？首先要具有独特的视角。

【图片，黄永玉，鸟事好鸟，就是话多】

黄永玉先生是公认的著名老艺术家，先不去谈他的绘画作品有多么精致，百岁人生是多么传奇，仅仅去品位他的题词：鸟是好鸟，就是话多。就能让人感受到他的趣味。

画一张刚刚下完蛋的母鸡，题词：生个蛋，犯得上这么大喊大叫嘛？这些素材都是我们生活中常见的，可看见老先生的作品，不免赞叹，构思精妙，太有趣了。

【图片，黄永玉，生个蛋，犯得上这么大喊大叫嘛】

        是什么地方让我们觉得有趣？

首先，黄永玉先生具有十分独特的视角。换成普通人，大概都会说“母鸡下蛋”，这就过于直白，失去了想象空间和轻松诙谐的感觉。当一个独特视角，通过幽默的表达方式，呈现在读者面前，便会激发读者的兴趣，仔细探寻其中深意。正如这幅“鸟是好鸟，就是话多。”作品触发观众联想，自动对应生活中真实存在的“TA”，人是个好人，就是像祥林嫂一样絮絮叨叨，惹人烦。作品与读者生活中的真实情感连接，产生互动效果，从而呈现出独特的完整性。这与国画的“留白”，有异曲同工之妙。AI却提供不了。

除了独特的视觉，幽默的表达之外，一些人非常规的行为，也让人觉得很有趣。

以前大部分画家都是用纸和笔在画布上作画，但抽象表现主义画家杰克逊波洛克，在1974年创造了一种滴画法，不仅绘画的过程全程公开，还请了一帮记者，摄影师进行全程录制，他将画布铺在地上，把颜料装到带小孔的桶里，光着脚，拎着桶在画布上走来走去，颜料滴满画布，形成了错综复杂的网状画风，这种独特的风格引来众多的效仿者，他的作品不仅大卖，本人还成功的挤进艺术史，甚至还有自传体电影。当然也有人持反对意见，当绘画沦为一种表演艺术，不知道是艺术的前进还是倒退。

要成为一个有趣的人，他一定是一名跨界高手。

会画漫画，在企业做过管理，恰巧还会讲故事，这个人叫斯考特·亚当斯，畅销数十年的办公室黑色幽默漫画系列《呆伯特》的作者。

【图片，斯考特·亚当斯在工作室绘制呆伯特】

综上所述，有趣的四个特征，分别是独特的视角，幽默的表达，非常规的行为，以及拥有多项能力的斜杠人才。这些都是围绕在艺术家绘图能力周围的软实力，是AI技术所不具备的。

再次强调，AI绘图只是一件工具而已

写到这里，笔者突然想起几年前在网络上被热烈讨论的话题：关于未来有哪些工作可能被AI取代。当时李开复提出了一个经典的五秒钟准则，一项原本由人从事的工作，如果人可以在五秒钟以内对工作的问题做出决策，那么这项工作就很可能被AI取代。他认为，翻译，助理，客服，司机等岗位，将会有90%被人工智能替代。

AI绘图的出现，证明了李老师说的不完全对。笔者认为，未来绝大多数职业的初级岗位都有可能被AI取代，每种职业中，被动的重复劳动性工作都会交给AI，只有需要综合分析能力，创造能力，具有与人进行深入沟通能力的高级岗位和专家岗位才会留给人类。

将AI绘图视为这个时代的新工具，成为它的主人，而不要被它束缚，更不要变成它。新工具的诞生，促使新的艺术风格，艺术史学者沃尔夫林认为，艺术风格发展有其内在规律。艺术风格的演变，就像一块石头滚下山坡，一路坑坑洼洼不平，石头弹跳的轨迹是不规则的，但这块石头受到万有引力的影响，会一直往下，这就是艺术的意志。（完）

（注1）卢德主义：哲学领域术语。卢德主义是指对新技术和新事物的一种盲目冲动反抗。卢德主义出现于工业革命初期，那时候的工人对于大机器生产的出现认识不足，盲目地认为是大机器的出现使自己丧失了就业，于是憎恨大机器，开始破坏这些新出现的机器设备，以换取就业。

作者：曹祎（笔名：曹一漫画）

中国新闻漫画研究会副秘书长

《人民日报》评论漫画家

新华社（北京）摄影部图表室签约漫画师

中国国际电视台CGTN评论动画师

来源：漫画观察（公众号）

链接：https://mp.weixin.qq.com/s/-m4yNvJyoTn7N1VaFG-nQA

编辑：邓秋雨